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Amparito Roca: el misterio del pasodoble con nombre de mujer

>> martes, 10 de octubre de 2017



La relación que siempre he mantenido con la música habría que buscarla a través de mis diferentes generaciones familiares. La referencia más antigua que poseo de esta melomanía vendría de mi bisabuelo, Roque Mateo, que ya en su tierra natal de Estella perteneció a la banda municipal, siendo su instrumento la tuba. Además, junto a un grupo de amigos músicos con los que conformaría un conjunto, recorría los diferentes pueblos de la región durante sus verbenas, amenizando los bailes de las plazas interpretando diversas piezas del repertorio popular. Su hijo -es decir, mi abuelo- heredó de él su afición por otro instrumento: la guitarra. Además, aprendió a tocar la flauta travesera a través de un profesor del colegio. Gracias a esto, aprendería extractos musicales que posteriormente conseguiría poner nombre y autor, como algunos de "La flauta mágica" de Mozart; ambos instrumentos, guitarra y flauta, nunca los abandonaría y hasta sus últimos días, con cerca de los noventa años, hacía uso de ellos porque le producían una enorme felicidad. En algunas ocasiones, evocaba instantáneas de su infancia y adolescencia, como aquellas en las que la propia banda estaba siempre presente en los diferentes aspectos de la vida cotidiana del pueblo. Una escena casi cinematográfica que nunca olvidaré, tal como la dejó escrita, sería la de una noche noche en la Plaza de los Fueros, en la que él, junto a otros niños, jugaba a la pelota mientras la banda, guarecida en los soportales, interpretaba el "Intermedio" de la zarzuela "Bohemios" de Amadeo Vives. La tristeza y misterio que siempre me ha evocado esta pieza me lleva a este pasaje de la vida de mi abuelo, inevitablemente. Cuando yo era pequeño, íbamos a las fiestas de Estella y allí él participaba de los festejos a través de dos formaciones musicales: La rondalla "Los Estellicas" y la banda municipal a la que pertenecería su padre. Cuando yo y mi padre acudimos en el año 2007 a un homenaje que se le celebró por parte de la banda con motivo de su fallecimiento, no pude evitar recordar las innumerables tardes de fines de semana a su lado, escuchándole interpretar piezas de lo más diversas mientras en algunas ocasiones yo mismo le acompañaba al violín. Recordé también los conciertos en los que participaba durante las fiestas de agosto citadas, en el parque de Los Llanos en su ciudad natal, a la que siempre que podía volvía. Si bien durante esos espectáculos se podía escuchar desde "La marcha triunfal" de "Aida" de Verdi, pasando por la banda sonora de Los Picapiedra, lo que más me cautivaba era el repertorio de pasodobles. Sin saber muy bien por qué, algo me tiraba desde dentro al escucharlos haciéndome aflorar en mí la emoción más desbocada. El misterio que los embargaba en la mayoría de los casos era el principal motivo. "Ayamonte", "Nerva", "Suspiros de España", "Certamen Levantino", "El gato montés", "La Gracia de Dios", "En er mundo"... y, sobre todos ellos, Amparito Roca. Su autor, Jaime Texeidor, se lo dedicaría a una de sus alumnas, Amparito Roca Ibáñez, poniéndole su nombre. ¿Pero quién fue Amparito Roca? A lo sumo, de ella puede conocerse a primera vista su efigie, en algunas imágenes en blanco y negro, en la que se la puede contemplar posando tímida y con una leve sonrisa. Su imagen, propia de la estética de los años veinte, inspira esa ternura y ese respeto que invoca su pasodoble. La melancolía se encuentra también presente, siempre teñida de ese aire solemne de este género musical. Me llama la atención sobremanera lo poco que sé de ella, quisiera saber si a través de su expresión, de su mirada, podría traslucirse una personalidad creativa poderosa, una personalidad como compositora que no sé si alguna vez saldrá a la luz. Si, por el contrario, su trayectoria artística nunca llegó a nada porque no pudo o no tuvo intención de prosperar como música, también me interesaría saberlo. Su carácter anónimo, me anima a fabular.
No sé por qué, escuchar esta pieza me conecta con mi tradición, con mis raíces, con mi origen familiar, sentimental y musical.  No puedo evitarlo. A ella recurro en mis momentos de trabajo, pues me inspira o me ilumina interiormente.     


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Apunte de Mari

>> lunes, 10 de octubre de 2016


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Yo quisiera...

Yo quisiera poder decirte todo lo que te mereces. Frágil y transparente, siempre reluces y tornas a lo más alto, como una burbuja escapada del mar. Su voz silenciosa.

Aunque el sol te destaca, tú esperas siempre la noche, cuando él no está, y te olvidas por un momento de la razón y te haces toda música y lates con las estrellas. Y yo, con los ojos cerrados, esté en la habitación que esté, te siento, porque sé que en realidad también estoy arriba, conectándome a ti por una línea invisible de puntos, los que conforman nuestro dibujo astral. Somos un extraño animal del zodiaco, que viaja sin moverse a través de su inmensidad para observar el mundo dormir. Y entonces me olvido de que alguna vez tuve miedo a algo, porque ahora soy tan inmaterial como tú. Somos aéreos, tú bien lo sabes. Y aunque siempre parezca la misma extraña noche, no hay que temerla, porque formamos parte de ella. 

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¿Por qué Debussy?

>> jueves, 15 de septiembre de 2016


Tal vez un escritor pueda sentirse tan identificado con el impresionismo por una sencilla razón: el impresionismo valora la percepción subjetiva de las cosas, algo tan de vital importancia para quien se dedica a aportar su propia visión del mundo. Un mundo que nunca es como objetivamente la ciencia lo presenta, sino que se encuentra sujeto a la percepción de quien lo contempla. Un jardín es a su vez cien jardines, y si alguien contempla un jardín pintado, ve entonces dos jardines, como diría Platón. El impresionismo es un gran jardín, es el mundo interior en el que recogerse y recrearse. Es la belleza imperecedera, pues nosotros la forjamos y a ella volvemos siempre que deseamos sentirnos felices. Con la muerte de quien la concibe muere esta percepción también. Y Debussy es eso, la propia interpretación que de él hacemos cada uno de nosotros. Un jardín vedado para quien no siente la música con verdadera pasión, curiosidad, paciencia y tesón.
Para mí, Debussy queda asociado inevitablemente con la pintura. El arte pictórico y musical han convivido en mí, los he transmitido y recreado a lo largo de mi vida. la escritura me ha ayudado a penetrar todavía más en ellos, ha fomentado mi imaginación, mis ensoñaciones, las que me hacen sentir vivo.
Debussy es Francia y España, es la música de ambos países. Un poeta entre dos tierras. Por eso, para mí, Debussy es la música de los pirineos navarros, vascos y franceses, por los que transité siendo niño y adolescente. Muchas de esas imágenes han quedado "impresionadas" en mí, y a ellas regreso incluso en la oscuridad más absoluta. Los caminos el atardecer, rumbo hacia Zugarramurdi. El pueblo de aspecto medieval, el color de la tarde con sus colores de paleta tan vivos, y la música de "Iberia" sonando dentro de mí. Debussy son los nocturnos con los cielos estrellados del verano de agosto, tumbado sobre una tapia en Roncesvalles. Los campos verdes de Monet, el castillo que me dio mi nombre, una comida cerca del monasterio de Leyre en una gran sala cubierta de frescos históricos, rememorando la coronación de un rey o del martirio de San Sebastián. Pero Debussy no es sólo Debussy: es también Ravel, su prolongación, es Saint-Jean-Pied-de-Port, con sus casas que casi parecían de cuento, sus playas y la mer enfrente... Son los bosques misteriosos, son los valles recorridos a través de un coche, con la música viva sonando a través de un radiocasette. Es su aspecto amable en un retrato de Nadar, como si tratase de recordar cómo de delicada era su sonrisa cuando fue niño.
Por todo ello, Debussy siempre me acompañará y me ayudará a inventármelo cuando ya no pueda recordarlo, debido a sus intrincados pentagramas, siempre tan escurridizos.

 

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Maestros de maestros

>> miércoles, 14 de septiembre de 2016


En este fotograma del film documental "You don´t do anything-You let it envolve", realizado en 1992 por Jan Schmidt-Garre, puede observarse al protagonista de la cinta, Sergiu Celidibache, durante una de sus clases magistrales de dirección orquestal. Detrás, el conjunto de alumnos que asistían como oyentes, aspirando a convertirse algún día en un músico de la talla del rumano. Entre ellos, Juan María Esteban, quien siete años después fundaría la Orquesta Amadeus, en la cual yo participaría como violinista, hasta el año 2007. Qué duda cabe de que en ellas conocí la técnica de Celidibache "de la mano" literalmente de mi director musical. Cuando todavía no conocía la figura del que fue durante tantos años titular de la München Philharmoniker, y que posteriormente acabaría admirando, no sólo como director, sino como humanista. Su forma de transmitir su concepción de la música en los testimonios filmados de sus "rehearsals" te hacía sentir, tras el visionado, que aquel día habías aprendido no algo más, sino muchas cosas más, a cada cual más importante, sobre música, filosofía, literatura, Historia e incluso espiritualidad. Su testimonio era el de un sabio, eso sí, con cierto carácter y temperamento, quizá demasiado duro con los que acudían a él como al son de una flauta encantada. Él era reacio a toda grabación, pues consideraba que lo que quedaba ahí registrado era cosa muerta, y como tenía razón de ser y permanecía vivo era en el contexto presente e inmediato. Así es la música, algo inmaterial, imposible de atraparse ni siquiera en un disco. No obstante, para los que no estaban en aquellas clases ni en aquellos auditorios, para todos los que nacimos un poco más tarde, es de agradecer que se conserven estos registros de su "memoria viva". Aún antes de conocer a este maestro de maestros, pude hacerme una idea aproximada de él a través de los ensayos en los que Juan nos enseñó, no sólo a coordinarnos para interpretar un partitura conjuntando nuestros diferentes  instrumentos, sino también qué quería transmitir cada obra, qué había querido dejar reflejado el compositor, o incluso cómo esa música podía convertirse en otros significados presentes en cada una de nuestras vidas. Él también era un humanista, poseía una vasta cultura y, en parte, mi curiosidad musical fue espoleada gracias a él.    

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De la inmaterialidad del sentimiento

>> martes, 13 de septiembre de 2016


Berlín, 1950. Sólo cinco años después del final de la II Guerra Mundial, el músico Sergiu Celidibache dirige a la Berliner Philharmoniker sobre las ruinas de la que había sido la sede de la orquesta durante sesenta años. En ese lugar, que bien podrían ser las ruinas de Atenas que dieron lugar a la famosa marcha de Beethoven, aquel joven director ejecutaba otra pieza del compositor: la Obertura de "Egmont". Sobra decir lo mucho que me impresionaron aquellas imágenes, no sólo por la fuerza de la música en sí y su puesta en escena - llevada de forma tan enérgica por la juventud del rumano, de aspecto tan zíngaro-, sino por el sentido que la resurrección de Beethoven tenía en aquel emplazamiento, en aquel momento. Una Berlín arruinada, donde su Historia, su pasado material, se reducía a innumerables ruinas. Su patrimonio material. Beethoven era también legado de Alemania, aunque inmaterial, y su espíritu, impelido por el romanticismo, parecía insuflar a aquel escenario una energía que parecía muerta. Él, resucitado, parecía querer resucitar lo que le rodeaba, cantar a ese hermanamiento pregonado por el Schiller de su Novena Sinfonía. Yo también quisiera poder transmitir con palabras lo que todo ello me sugiere, pero me parece imposible. Lo admiro, lo vivo, lo siento, y me parece injusto guardármelo para mí y no poder manifestarlo de viva voz, en la palabra escrita.      

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Grandes olvidados

>> jueves, 8 de septiembre de 2016



Cuando Joaquín Soler Serrano le preguntó al gran Mompou cuál creía que era, de sus obras, la que más se conocía en España, el tímido músico catalán esbozó una leve sonrisa e interpretó su "Sinfonía azul" o, lo que es lo mismo, la famosa sintonía de la Cadena Ser. La "sintonía" de la "sinfonía" hizo que la música callada dejara de serlo para hacerse oír por toda la geografía española. Pero no ha sido el único que merecería, igual que con las bandas sonoras de las películas que usurpan "legalmente" música de otros, un reconocimiento a pie de página. también el pobre Tárrega, ha pasado a ser conocido en los últimos tiempos, como el catapultador sonoro de anuncios de telefonía o de helados. Así, su "Gran vals" se convirtió en el tono de Nokia y en el acompañante de los anuncios de la compañía. Su "Lágrima" ha servido para que Häagen-Dazs ponga a una muchacha disfrutando del dulce de leche "Cream crisp". ¿Dónde quedaron sus "Recuerdos de la Alhambra"? Y es que la televisión en su momento- ahora internet- arrebató a la música de concierto su poder, lo que en su momento hizo el cine también con el teatro, el cual menguó en número de asistentes debido a que muchos se hicieron "cinéfilos".

Muchos de ellos, grandes virtuosistas, tampoco pudieron dejar sus dotes para la posteridad, pues tuvieron la buena y la mala suerte de vivir en el mundo antiguo. Ahora, en la modernidad, hay mejores sistemas de grabación sonora pero ¿a quién le interesa ya las performances de estos grandes genios, como el ya citado Tárrega, Sarasate o Gayarre?
Cuando estuve, hará ya un par de años, en el archivo de la Biblioteca Nacional, un señor con ganas de presumir de su institución, me dijo: "Acabamos de adquirir recientemente unos cilindros de cera en los que se puede escuchar a Tárrega tocando la guitarra". De eso nunca más se supo, hasta que un buen día, por azares rizomáticos, llegué a unos videos en Youtube donde supuestamente se podía escuchar a Tárrega sonorizado en los dichosos cilindros. Este soporte poco podía asegurar la posteridad del intérprete, pues a cada reproducción su material se erosionaba hasta la desaparición del "testimonio".  Los entendidos en la materia, aún así, dejaban todo tipo de comentarios escépticos acerca de que esta grabación fuese verídica.


Por mucho que nos las demos de "chauvinistas", nos cuesta valorar nuestro patrimonio. ¿Y qué hay de esa "El presidio", esa versión española de 1930 que Edgar Neville filmó en Hollywood para la Metro Goldwyn Mayer de la superproducción "The big house"? Ochenta años sin proyectarse en España. Es decir, que para una vez que un cineasta español cruza el charco y le dejan hacer en América algo, nosotros nos hacemos los suecos y preferimos a Bergman. Mientras, ellos (los americanos) ya han sacado un triple DVD con las versiones del film...

Así es... Homo Homini Lupus... o tal vez sería mejor decir "Homo Hispanicus"... etcétera.        





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